La Galleria dell’Accademia è una piccola ma significativa vetrina dell’arte rinascimentale e gotica, incentrata sull’iconico “Davide” di Michelangelo. In sole 1–2 ore potrai ammirare sculture, dipinti e strumenti musicali, tutti esposti in modo davvero suggestivo. Che tu sia alla tua prima visita o un fan di vecchia data, questa galleria ti regala un’esperienza artistica intensa senza farti sentire sopraffatto.
La collezione di sculture della Galleria dell'Accademia è dominata da maestri come Michelangelo, Brunelleschi e Giambologna. Nella splendida Sala dei Prigionieri troverai una serie infinita di statue mozzafiato. Inoltre, alla Gipsoteca Bartolini (Sala dei Modelli) puoi ammirare file ordinate di calchi in gesso e modelli delle opere più famose di Bartolini e Pampaloni.
La Galleria dell'Accademia si sviluppa su due livelli principali, con la maggior parte delle opere più famose — tra cui il Davide di Michelangelo — al piano terra. Dalla Sala del Colosso e dall’imponente Sala dei Prigionieri fino alla maestosa Tribuna, ogni spazio ti offre uno sguardo accuratamente selezionato sul patrimonio artistico di Firenze.
Al piano superiore, il ritmo rallenta mentre ti muovi tra sale luminose e meno affollate, dove sono esposti polittici gotici, tavole devozionali e opere del primo Rinascimento. Che si tratti di sculture monumentali o di intricati dipinti su fondo d’oro, ogni sala ha una storia tutta sua da raccontare e, insieme, tracciano l’evoluzione dell’arte fiorentina dal XIII al XVI secolo.
📍Posizione: La prima sala a sinistra appena entri nella Galleria dell'Accademia.
Un tempo sede di un colossale calco in gesso di una statua romana, la sala è ora l’imponente punto d’ingresso del museo, progettato per lasciare a bocca aperta. È stata rinnovata nel 2013 e ha come protagonista il monumentale modello in gesso di Giambologna raffigurante il Ratto delle Sabine, oltre a presentare l’età d’oro della pittura su tavola fiorentina del XV-XVI secolo. Ecco le opere d'arte più importanti:
Questa dinamica spirale composta da tre figure è stata la prima statua del suo genere scolpita da un unico blocco di marmo. Il calco mostra l'idea originale di Giambologna, poi realizzata in marmo ed esposta in Piazza della Signoria.
Consiglio da esperto: Siediti vicino alla scultura per goderti una vista a 360°: è stata progettata per essere ammirata da ogni angolazione.
Dipinta per la chiesa di Santa Trinita a Firenze, quest’opera esplora il mistero della Santissima Trinità con un drammatico fondale a tendaggio e angeli eterei.
Consiglio da esperto: cerca il piccolo teschio alla base, che simboleggia la redenzione attraverso il sacrificio di Cristo.
Una conversazione sacra con Maria, Cristo e sei santi, tra cui Cosma e Damiano (i santi patroni dei Medici).
Consiglio da esperto: osserva i dettagli raffinati delle vesti dei santi: sono indizi visivi che collegano l’opera ai suoi committenti, i Medici.
Tre santi scolpiti in nicchie architettoniche. Le linee pulite del Ghirlandaio e le forme ispirate a Michelangelo rendono quest’opera un preludio allo stile del Rinascimento maturo.
Consiglio da esperto: Il Ghirlandaio è stato il mentore del giovane Michelangelo: nota il DNA estetico che li accomuna.
Commissionata per l’Abbazia di Vallombrosa, questa imponente opera raffigura Maria che ascende tra un coro di angeli e musicisti.
Consiglio da esperto: Guardando dal basso, puoi vedere i contorni delle travi di legno originali usate per fissare il pannello.
Iniziato da Lippi e completato dal Perugino, questo dipinto in due parti cattura tutta la drammaticità della deposizione di Cristo dalla croce.
Consiglio da esperto: Confronta il movimento fluttuante nella metà superiore con il realismo sereno della parte inferiore: due maestri, due visioni.
Meno famoso ma di grande impatto visivo, questo pannello raffigura il momento del trionfo di Cristo sulla morte in una scena serena ma potente.
Un pannello di una cassapanca nuziale che raffigura un sontuoso corteo nuziale fiorentino.
Consiglio da esperto: cerca il Battistero e i dettagli in stile rinascimentale: sono come piccole istantanee della vita del XV secolo.
Un paesaggio marino simbolico con motivi raffiguranti la Madonna, una stella e un melograno.
Consiglio da esperto: “Stella Maris” (stella del mare) è un riferimento poetico a Maria: guarda la stella dorata che brilla sulla sua veste.
📍Posizione: Seconda sala lungo l'asse principale del museo, che porta verso il David sotto la cupola della Tribuna.
Progettata in origine per ospitare dei dipinti, la Sala dei Prigionieri è stata trasformata nel XIX secolo in un suggestivo preludio al “Davide” di Michelangelo. Espone la sua opera incompiuta Prisoners: quattro figure imponenti che sembrano intrappolate nella pietra e incarnano la lotta dell'anima umana. Commissionate nel 1505 per la tomba di Papa Giulio II, queste sculture sono rimaste incomplete perché il progetto è stato ridimensionato, il che riflette la convinzione di Michelangelo di liberare la forma nascosta nel marmo.
Il più rifinito dei quattro, con una muscolatura imponente e lo sguardo rivolto verso il basso. C'è chi lo interpreta come un'allegoria della prigionia intellettuale o spirituale.
Consiglio da esperto: Guarda bene le gambe: qui Michelangelo ha quasi perfezionato l'anatomia, dimostrando la sua maestria nel ritrarre la figura maschile e nel lavorare il marmo.
Sembra che abbia il peso del mondo sulle spalle… da qui il nome. La sua figura è appena abbozzata, eppure il peso che porta è palpabile.
Consiglio da esperto: Mettiti in posizione diagonale per vedere come la figura emerge in diagonale dal blocco, come se fosse un gigante che si fa strada per uscire.
Una figura che si snoda e si eleva: questa è la più dinamica delle quattro. Spesso viene interpretato come simbolo di risveglio spirituale o di liberazione dall'ignoranza.
Consiglio da esperto: Guarda i segni dello scalpello sul petto e sulle cosce: sembra quasi che gli attrezzi di Michelangelo si siano congelati proprio mentre lavorava.
È il più astratto e il meno definito, e fa pensare a una gioventù che sta ancora emergendo dal caos. La posa è contenuta, quasi fetale.
Consiglio da esperto: Passaci accanto lentamente: questa scultura cambia aspetto in modo sorprendente a seconda dell'angolazione da cui la guardi.
Queste figure vivaci e piene di volume sono state dipinte per una cappella privata a Firenze. Ispirati ai profeti della Cappella Sistina di Michelangelo, richiamano il peso scultoreo e la plasticità espressiva dei drappeggi delle sue opere.
Consiglio da esperto: cerca il rotolo con la scritta “ECCE DEVS SALVATOR MEVS” — un riferimento al nome del committente, Salvatore.
Un affresco piuttosto raro su questo tema a Firenze, che raffigura Cristo nella grotta mentre mostra le sue ferite. Potente eppure serena, questa opera coglie la vulnerabilità spirituale della Passione.
Un consiglio da professionista: Nota quel suggestivo equilibrio tra dolore e forza nell’espressione di Cristo.
Un elegante profilo femminile che raffigura Zenobia, la regina guerriera. Con i capelli stilizzati e lo sguardo dolce, riflette lo stile di disegno di Michelangelo.
Consiglio da esperto: cerca l'orecchino a forma di stella: è un sottile riferimento al potere e alla femminilità della modella.
Come contrappunto al ritratto di Zenobia, questa donna idealizzata sfoggia trecce riccamente decorate e gioielli, che mettono in risalto lo stile decorativo del manierismo fiorentino.
Consiglio da esperto: Confronta questo ritratto con il primo: uno è audace e deciso, l'altro più delicato e decorativo.
Ispirato a un disegno di Michelangelo, questo pannello raffigura Cupido che abbraccia Venere: una riflessione rinascimentale sull’amore divino e sensuale.
Consiglio da esperto: La posizione delle figure simboleggia due tipi di amore: la passione terrena e la devozione spirituale.
Realizzato dopo la morte di Michelangelo, questo busto ritrae il maestro in età avanzata: segnato dal tempo, pensieroso e ribelle. Volterra, un suo caro amico, ha scolpito diversi busti in suo onore.
Consiglio da esperto: Questo busto è stato scolpito proprio dall’uomo che ha “censurato” il Giudizio Universale di Michelangelo. Nota con quanta dignità lo tratta ancora qui.
📍Posizione: Alla fine dell'asse centrale del museo, oltre la Sala dei Prigionieri.
Il Tribune è stato costruito appositamente alla fine del XIX secolo per ospitare il Davide di Michelangelo. Progettata da Emilio de Fabris, nel 1882 è diventata la sede definitiva della statua, dopo anni passati a Piazza della Signoria, esposta alle intemperie e ai disordini politici. Inondato di luce naturale sotto un soffitto a cupola, lo spazio è stato concepito come un santuario laico per esaltare la grandezza di David, circondato da opere di artisti ispirati a Michelangelo.
Scolpito da un unico blocco di marmo, il Davide di Michelangelo cattura il momento di tensione che precede la battaglia: vigile, concentrato e ricco di dettagli. La sua postura e la sua espressione riflettono un conflitto interiore e un disegno divino, non solo la perfezione fisica.
***Consiglio da esperto: Guarda David* da tutte le angolazioni. Il suo sguardo vagante, il busto contorto e quella sottile tensione rivelano sempre più emozioni man mano che lo guardi. Non sta posando... si sta preparando.
I colori vivaci e iridescenti tipici del Manierismo conferiscono calore a questa scena della Sacra Famiglia. Le figure di Salviati si contorcono in un movimento dinamico: un chiaro omaggio alle figure scultoree di Michelangelo.
Curiosità:**** Salviati ha contribuito a sistemare il braccio rotto di Davide dopo che gli si era fratturato nel 1527.
Consiglio da esperto**:** Cerca i blu e i verdi scintillanti, riportati al loro antico splendore durante un restauro del 2003.
Questa commovente scena di lamento unisce la struttura rinascimentale all’emozione barocca. Un cavaliere spagnolo, Ernando Sastri, è inginocchiato accanto alla Vergine Maria, creando un legame tra quel momento sacro e chi guarda.
Consiglio da esperto: Nota come le croci del Golgota incornicino delicatamente la scena del lamento, attirando lo sguardo verso quello spazio.
Commissionata da Cosimo I per l’isola d’Elba, questa composizione di grande impatto guida lo sguardo dalla deposizione di Cristo dalla croce ai suoi discepoli in lutto ai piedi della croce.
Un dettaglio divertente:**** Bronzino ha inserito il suo autoritratto: un uomo barbuto che guarda verso l’esterno dalla sinistra.
Un consiglio da professionista:**** La città fortificata sullo sfondo potrebbe rappresentare Portoferraio, collegando così l’opera d’arte al luogo a cui era destinata.
Un ambiente tranquillo e intimo per un messaggio divino. Gabriele fluttua su una nuvola, porgendo a Maria un giglio bianco mentre gli angeli fanno piovere fiori dall’alto.
Consiglio da esperto: cerca il cestino da cucito e il cuscino ricamato: sono dettagli domestici incantevoli che rendono più umano questo momento sacro.
Una profusione di dettagli botanici fa da cornice all’incoronazione di Maria in cielo. Sono più di 20 le specie di fiori che simboleggiano le sue virtù.
Curiosità: Grazie ai giardini botanici dei Medici, Allori ha dipinto molti di questi fiori dal vero.
Consiglio da esperto: Cerca la firma di Allori nascosta sul bordo del vaso da fiori scuro.
📍 Posizione: Appena oltre il Tribune, la Gipsoteca occupa un’ala dell’antico Ospedale di San Matteo
Un tempo laboratorio didattico per gli studenti di belle arti, la Gipsoteca espone modelli in gesso del XIX secolo realizzati da Lorenzo Bartolini e Luigi Pampaloni. Questi calchi a grandezza naturale — busti, figure funerarie e statue — ti fanno capire meglio le tecniche scultoree e il passaggio di Firenze dal neoclassicismo al romanticismo.
Opere di rilievo:
- *Busto di Niccolò Machiavelli*<br/>
- *Ritratti di aristocratici stranieri*<br/>
- *Figure funerarie commissionate dalla nobiltà europea*Bartolini era famoso per il suo realismo psicologico e per la capacità di trasmettere con delicatezza emozioni, condizioni sociali e personalità attraverso un'attenta modellazione dei volti. La sua clientela — che andava dalla nobiltà russa, polacca e inglese all’élite locale — gli commissionava eleganti busti, medaglioni e ritratti idealizzati.
Consiglio da esperto: Fai attenzione alle acconciature e ai dettagli dell'abbigliamento: rispecchiano gli ideali di moda dell'Impero e del periodo neoclassico, caratterizzati da linee verticali ed eleganza sobria.
Opere di rilievo:
- *Busti di Brunelleschi e Arnolfo di Cambio*<br/>
- *Ritratti di bambini commissionati da famiglie aristocratiche*Pampaloni era specializzata nel rappresentare l'innocenza infantile e la femminilità idealizzata con un tono delicato e lirico. Le sue sculture sono più delicate e ricche di emozioni, soprattutto i ritratti di bambini, che sono pieni di fascino e di dettagli simbolici.
Consiglio da esperto: Cerca la caratteristica modellazione morbida delle guance e delle mani tipica di Pampaloni: era famoso per la sua capacità di dare vita anche alle forme più immobili.
La Gipsoteca è anche un'occasione per imparare qualcosa sulle tecniche scultoree del XIX secolo:
Consiglio da esperto: Queste non sono “semplici copie”, ma veri e propri modelli di lavoro, pieni di segni di misurazione e prove di texture che rivelano la mano dello scultore all’opera.
Nascosto lungo la parete di sinistra, incastonato tra i modelli in gesso, c’è un affresco piccolo ma storico: la prima opera conosciuta di Pontormo. Realizzato con pigmenti a base di terra verde, l’affresco offre uno scorcio “fotografico” su quella che un tempo era la sala di degenza femminile dell’ospedale.
Cosa cercare: Modesti letti di legno disposti in file; suore che si prendono cura dei malati; atti di carità, preghiera e lavaggio dei piedi; un raro racconto della vita quotidiana nella Firenze dei primi anni del XVI secolo.
📍 Posizione: Alla fine del percorso al piano terra, dopo la Gipsoteca Bartolini.
Questa sezione, composta da tre sale, ripercorre l’evoluzione dell’arte gotica fiorentina (XIII–XIV secolo), esponendo dipinti su fondo d’oro provenienti dalle principali chiese e dai monasteri. Le ricche dorature, i colori vivaci e le immagini sacre riflettono l’attenzione che, nel periodo prerinascimentale, si riservava alla devozione e alla narrazione. Segui l'evoluzione dagli stili italo-bizantini al naturalismo espressivo di Giotto.
Consiglio da esperto: Queste opere un tempo adornavano conventi chiusi: cerca i motivi traforati in foglia d’oro, i drappeggi fluenti e le scene in miniatura ricche di simbolismo.
In evidenza: L’Albero della Vita di Pacino di Bonaguida
Questo monumentale crocifisso a forma di albero simboleggia l'Albero della Vita; i suoi rami sono ricoperti di medaglioni che illustrano la vita, la Passione e la Resurrezione di Cristo. Qui sotto, scene tratte dalla Genesi e figure di santi fondamentali (Mosè, San Francesco, Santa Chiara e San Giovanni) danno vita a una narrazione teologica articolata. L’immagine qui sopra, in cui il pellicano nutre i suoi piccoli con il proprio sangue, è un simbolo del sacrificio di Cristo.
Da non perdere: il Crocifisso di Bernardo Daddi
Cristo giace senza vita sulla croce, affiancato dalla Vergine e da San Giovanni, con scene della sua Passione alle estremità dei bracci. L'iscrizione «DICEST IESUS NAZARENUS REX IUDAEORUM» (Gesù di Nazaret, Re dei Giudei) conferma il racconto evangelico. Quest'opera è un esempio perfetto di come Giotto riesca a coniugare emozione e struttura.
Realizzati per gli stalli del coro, questi pannelli di piccole dimensioni mettono in luce la chiarezza narrativa di Gaddi e sono un eccellente esempio di narrazione devozionale del XIV secolo.
Consiglio da esperto: Molte delle opere in questa sala erano oggetti devozionali portatili, che i pellegrini portavano con sé. Prova a immaginarli in cappelle private o durante lunghi viaggi: l’arte come compagna spirituale.
In evidenza: Andrea di Cione (Orcagna), Trittico della Pentecoste
La Vergine al centro è monumentale, affiancata da angeli in volo e apostoli inginocchiati, ognuno dei quali reagisce a modo suo all’evento. Uno degli apostoli guarda addirittura direttamente verso l’esterno, invitando chi guarda a entrare nella narrazione sacra.
Consiglio da esperto: originariamente decorato con cuspidi gotiche, questo trittico aveva un impatto verticale imponente nella sua chiesa: nota come, anche senza di esse, la sua simmetria attiri lo sguardo verso l'alto.
Un Dio Padre solido e in trono regge il Cristo crocifisso, con lo Spirito Santo raffigurato come una colomba tra di loro: una rappresentazione rara e potente della Trinità. Le scene della predella raffigurano episodi della vita di San Romualdo, fondatore dell'ordine camaldolese, mentre le cuspidi dorate incorniciano gli angeli che portano l'incenso e l'Agnus Dei (Agnello di Dio).
Questa splendida pala d'altare, appena restaurata, raffigura l'Incoronazione della Vergine Maria in Paradiso, circondata da santi e angeli in adorazione. Le linee decise di Jacopo, la tavolozza dai colori luminosi e l’uso dell’oro creano un’armonia celestiale.
📍Posizione: Un’ala laterale della Galleria dell’Accademia, collegata al Conservatorio Luigi Cherubini.
Ti piace la musica classica o l'opera? Questa ala meno conosciuta dell’Accademia ospita la Collezione Granducale: oltre 50 strumenti storici un tempo suonati alla corte dei Medici. Dai clavicembali decorati ai primi strumenti a fiato, mette in luce il ruolo della musica nella vita dei Medici.
Consiglio da esperto: Non limitarti ad ammirare: le installazioni multimediali ti permettono di ascoltare gli strumenti e di scoprire il ruolo che hanno nei festival e negli eventi di corte.
Questo è l'unico strumento sopravvissuto del famoso Quintetto dei Medici ancora in condizioni perfette. Commissionata dal Granduca Ferdinando, questa viola mette in luce sia l’ineguagliabile maestria di Stradivari sia il gusto musicale sfarzoso della corte.
Cristofori, un geniale liutaio di Padova, fu assunto dai Medici nel 1688 e in seguito inventò il “pianoforte”, la prima versione del pianoforte moderno. Il museo espone alcuni dei primi esemplari delle sue spinette e dei suoi clavicembali, insieme a materiale documentario sul suo lavoro rivoluzionario.
🎧 Grazie a dei display interattivi, i visitatori possono confrontare il suono del primo pianoforte con quello di strumenti precedenti, come il clavicembalo.
Lo sapevi? A differenza del clavicembalo, il pianoforte di Cristofori permetteva di variare il volume a seconda della pressione delle dita: un salto rivoluzionario nella storia della musica.
La corte dei Medici non solo collezionava strumenti, ma creava un’élite musicale. In questa sezione trovi una serie di ritratti davvero suggestiva realizzata da Anton Domenico Gabbiani (1685–1690), che ritraggono musicisti di corte realmente esistiti con una precisione sorprendente.
📍Ubicazione: Primo piano (il secondo secondo gli standard americani) della Galleria dell’Accademia, meno affollato e completamente rinnovato nel 2013 con un’illuminazione mirata e un’atmosfera tranquilla.
Questo spazio ti fa scoprire la devozione religiosa fiorentina alla fine del XIV secolo. Queste opere riflettono le paure della società, la speranza spirituale e l’amore per la narrazione, rivolte soprattutto alla maggioranza analfabeta.
Una rivisitazione tragica ma al tempo stesso teatrale di tre momenti chiave della Bibbia:
Consiglio da esperto: Fai attenzione alla piccola figura di un devoto inginocchiata vicino a San Giuseppe: dà un tocco personale alla scena, una caratteristica tipica del tardo gotico.
Una Madonna seduta su un cuscino, che simboleggia l'humus (la terra). Il Bambino Gesù cerca il seno di Maria: un gesto pieno di intimità.
Consiglio da esperto: osserva i complessi motivi traforati sulle vesti e sul mantello blu: sono una dimostrazione della maestria monastica di Don Silvestro come miniatore di manoscritti.
Una ricca esposizione di pale d’altare commissionate dalle corporazioni fiorentine tra la fine del Trecento e l’inizio del Quattrocento. Vedrai l'evoluzione dell'architettura gotica rispecchiata nella pittura: cornici ricche, guglie intricate e composizioni elaborate. Queste opere d'arte un tempo adornavano chiese e cappelle, fungendo spesso da sermoni visivi.
Commissionato dalla Gilda della Seta. San Giovanni sconfigge l’Avidità, l’Orgoglio e la Lussuria. Cerca il simbolo del cancello: è un omaggio alla sede originaria della Gilda e al suo commercio segreto della seta.
Consiglio da esperto: Questo è uno dei primi esempi di uso dell'allegoria e dell'identità di corporazione nell'arte religiosa pubblica.
Santo patrono dei viticoltori, raffigurato con una coppa simbolica nella predella. La sua forma alta e stretta si adattava perfettamente alle colonne della chiesa di Orsanmichele.
Consiglio da esperto: Nota come l’architettura e la pittura gotiche andassero di pari passo: le cornici imitavano gli edifici!
Una delle pale d'altare più imponenti. È disposta su più livelli, con i santi ai lati della Vergine e una schiera di angeli. I santi vengono identificati: una cosa importante quando la maggior parte delle persone non sapeva leggere né scrivere.
Consiglio da esperto: Cerca gli attributi simbolici: il mantello rosso di Maria Maddalena, la ruota di Santa Caterina, ecc.
Elegante ed etereo, questo trittico gotico risplende di oro e colori vivaci. L'arcangelo Gabriele entra con un volo leggero; la Vergine indietreggia, colma di sacro timore.
Consiglio da esperto: Cerca il cinghiale ai piedi di Sant’Antonio: è un riferimento alle tradizioni curative dei monaci antoniani.
Un capolavoro collettivo che raffigura la Vergine incoronata in cielo. Destinato a un convento femminile, simboleggia la ricompensa celeste per la devozione.
Consiglio da esperto: Non perderti gli angeli che suonano strumenti musicali medievali come cornamuse e tamburi.
Un tessuto splendido, ricamato con oro, argento e seta, che in origine ricopriva l'altare di Santa Maria Novella.
Consiglio da esperto: Si tratta di un raro tessuto liturgico giunto fino a noi, che mette in mostra la tradizione ricamatoria fiorentina, famosa in tutto il mondo.
Tra le opere d’arte da non perdere alla Galleria dell’Accademia di Firenze ci sono il David di Michelangelo, I Prigionieri di Michelangelo, L'Incoronazione della Vergine di Jacopo di Cione, L'Albero della Vita di Pacino di Bonaguida, Il ratto delle Sabine di Giambologna, Il cassone Adimari di Lo Scheggia e La Trinità di Narco di Cione. Queste opere d'arte sono considerate capolavori del Rinascimento italiano.
Il tempo necessario per vedere le opere più importanti della Galleria dell'Accademia può variare a seconda dei tuoi interessi e del tempo che dedichi a ciascuna opera d'arte. Comunque, Dovresti riuscire a vedere tutti i momenti salienti in circa 1-2 ore.
La Galleria dell'Accademia di Firenze ospita la più grande collezione al mondo di opere di Michelangelo. Il museo ospita sette capolavori di Michelangelo, tra cui la statua del David.
Devi comprare i biglietti per la Galleria dell'Accademia per poter vedere la collezione. Puoi acquistarli online in anticipo oppure direttamente sul posto alla biglietteria.
Anche se puoi comprare i biglietti direttamente sul posto, ti consiglio vivamente di prenotare i biglietti per la Galleria dell'Accademia in anticipo, così potrai ammirare le opere più importanti della galleria senza dover affrontare le lunghe code davanti alla biglietteria o la delusione di trovare i biglietti esauriti.
I visitatori passano circa 15-30 minuti ad ammirare e osservare la statua iconica. Però, durante l'alta stagione turistica, potrebbe esserci un po' di attesa per entrare nella sala dove è esposto David, quindi ti conviene prevedere un po' di tempo in più per questa visita.
Il momento migliore della giornata per visitare la Galleria dell'Accademia è la mattina presto, all'apertura, oppure nel tardo pomeriggio, verso l'orario di chiusura: così potrai ammirare le opere più importanti della Galleria dell'Accademia senza la folla.
Biglietti con ingresso prioritario per la Galleria dell'Accademia
Tour guidato della Galleria dell'Accademia con accesso Salta la Fila
Combo (35% di sconto): Galleria degli Uffizi + Biglietti d'ingresso prioritario alla Galleria dell'Accademia con audioguida
Combo (25% di sconto): biglietti d'ingresso a orario prestabilito per gli Uffizi e la Galleria dell'Accademia