Galleria dell'Accademia

• Künstler: Giambologna
  
• Jahr: um 1580 (Gipsmodell); 1582 (endgültige Marmorversion)

Diese dynamische Spirale aus drei Figuren war die erste Skulptur dieser Art, die aus einem einzigen Marmorblock gemeißelt wurde. Der Gipsabguss zeigt Giambolognas ursprüngliche Vision, die später in Marmor vollendet und auf der Piazza della Signoria ausgestellt wurde.

Profi-Tipp: Setzen Sie sich in die Nähe der Skulptur, um einen 360°-Blick zu genießen – sie ist so konzipiert, dass man sie aus jedem Blickwinkel bewundern kann.

• Künstler: Alesso Baldovinetti
  
• Jahr: 1470

Dieses Werk, das für die Kirche Santa Trinita in Florenz geschaffen wurde, thematisiert das Geheimnis der Heiligen Dreifaltigkeit vor dem Hintergrund eines dramatischen Vorhangs und mit himmlischen Engeln.

Profi-Tipp: Achten Sie auf den winzigen Totenkopf am Sockel – er symbolisiert die Erlösung durch das Opfer Christi.

• Künstler: Sandro Botticelli
  
• Jahr: Ende des 15. Jahrhunderts

Ein heiliges Gespräch zwischen Maria, Christus und sechs Heiligen, darunter Kosmas und Damian (die Schutzheiligen der Medici).

Profi-Tipp: Achten Sie auf die raffinierten Details in den Gewändern der Heiligen – visuelle Hinweise, die das Werk mit seinen Mäzenen aus dem Hause Medici in Verbindung bringen.

• Künstler: Domenico Ghirlandaio
  
• Jahr: 1493

Drei skulpturale Heiligenfiguren in architektonischen Nischen. Ghirlandaio’s klare Linienführung und die von Michelangelo inspirierten Formen machen dieses Werk zu einem Vorläufer des Stils der Hochrenaissance.

Profi-Tipp: Ghirlandaio war ein Mentor des jungen Michelangelo – beachten Sie die gemeinsamen ästhetischen Gemeinsamkeiten.

• Künstler: Pietro Perugino
  
• Jahr: 1500

Dieses für die Abtei von Vallombrosa in Auftrag gegebene großartige Werk zeigt Maria, wie sie inmitten eines Chors aus Engeln und Musikern emporsteigt.

Profi-Tipp: Von unten kann man tatsächlich die Umrisse der ursprünglichen Holzbalken erkennen, an denen die Platte befestigt wurde.

• Künstler: Filippino Lippi (oben), Perugino (unten)
  
• Jahr: 1504–08

Dieses zweiteilige Gemälde, das von Lippi begonnen und von Perugino vollendet wurde, fängt die Dramatik der Kreuzabnahme Christi ein.

Profi-Tipp: Vergleichen Sie die flatternde Bewegung in der oberen Hälfte mit dem ruhigen Realismus des unteren Abschnitts – zwei Meister, zwei Visionen.

• Künstler: Raffaellino del Garbo
  
• Jahr: Anfang des 16. Jahrhunderts

Dieses weniger bekannte, aber visuell beeindruckende Tafelbild zeigt den Moment des Triumphs Christi über den Tod in einer ruhigen, aber kraftvollen Szene.

• Künstler: Werkstatt von Lo Scheggia (vermutlich)
  
• Jahr: c. 1450

Eine Verheiratungskommode mit einer Darstellung eines prächtigen florentinischen Hochzeitszuges.

Profi-Tipp: Halten Sie Ausschau nach dem Baptisterium und den Details im Renaissancestil – kleine Einblicke in das Leben des 15. Jahrhunderts.

• Künstler: Botticelli zugeschrieben
  
• Jahr: Ende des 15. Jahrhunderts

Eine symbolische Meereslandschaft mit Madonna-Motiven sowie Stern- und Granatapfelmotiven.

Profi-Tipp: „Stella Maris“ (Stern des Meeres) ist eine poetische Anspielung auf Maria – achten Sie auf den funkelnden goldenen Stern auf ihrem Gewand.

• Künstler: Michelangelo
  
• Jahr: Anfang des 16. Jahrhunderts

Die am besten ausgearbeitete der vier Figuren, mit kräftiger Muskulatur und nach unten gerichtetem Blick. Manche interpretieren dies als Allegorie auf geistige oder spirituelle Gefangenschaft.

Profi-Tipp: Schauen Sie sich die Beine genau an – Michelangelo hat die Anatomie an dieser Stelle nahezu vollendet und damit seine Meisterschaft im Umgang mit der männlichen Figur und dem Marmor unter Beweis gestellt.

• Künstler: Michelangelo
  
• Jahr: Anfang des 16. Jahrhunderts

Er scheint das Gewicht der ganzen Welt auf seinen Schultern zu tragen – daher der Name. Seine Gestalt ist kaum zu erkennen, doch die Last ist deutlich spürbar.

Profi-Tipp: Stellen Sie sich schräg hin, um zu sehen, wie die Figur schräg aus dem Block hervortritt – als würde sich ein Riese seinen Weg nach draußen bahnen.

• Künstler: Michelangelo
  
• Jahr: Anfang des 16. Jahrhunderts

Eine sich windende, emporragende Gestalt – dies ist die dynamischste der vier. Wird oft als Symbol für spirituelles Erwachen oder die Befreiung von der Unwissenheit gedeutet.

Profi-Tipp: Achten Sie auf die Meißelspuren auf seiner Brust und an seinen Oberschenkeln – Michelangelos Werkzeuge wirken, als wären sie mitten in der Bewegung erstarrt.

• Künstler: Michelangelo
  
• Jahr: Anfang des 16. Jahrhunderts

Am abstraktesten und am wenigsten konkret definiert, was auf eine Jugend hindeutet, die sich noch aus dem Chaos herausbildet. Die Haltung ist zurückhaltend, fast fötal.

Profi-Tipp: Gehen Sie langsam daran vorbei – diese Skulptur wirkt aus verschiedenen Blickwinkeln ganz unterschiedlich.

• Künstler: Fra’ Bartolomeo
  
• Jahr: c.1515

Diese lebendigen, plastischen Figuren wurden für eine private Kapelle in Florenz gemalt. Inspiriert von Michelangelos Propheten in der Sixtinischen Kapelle spiegeln sie die skulpturale Wucht und die ausdrucksstarke Faltenführung seiner Werke wider.

Profi-Tipp: Achten Sie auf die Schriftrolle mit der Aufschrift „ECCE DEVS SALVATOR MEVS“ – eine Anspielung auf den Namen des Auftraggebers, Salvatore.

• Künstler: Andrea del Sarto
  
• Jahr: c. 1515–20

Ein seltenes Fresko zu diesem Thema in Florenz, das Christus in der Grotte zeigt, wie er seine Wunden offenbart. Kraftvoll und doch gelassen fängt es die spirituelle Verletzlichkeit der Passion ein.

Top-Tipp: Beachten Sie die eindringliche Ausgewogenheit zwischen Trauer und Stärke in Christi Gesichtsausdruck.

• Künstler: Michele di Ridolfo del Ghirlandaio
  
• Jahr: 1560–70

Ein elegantes Frauenprofil, das als Zenobia, die Kriegerkönigin, interpretiert wird. Mit den stilisierten Haaren und dem sanften Blick spiegelt es Michelangelos Zeichenstil wider.

Profi-Tipp: Achten Sie auf den sternförmigen Ohrring – eine subtile Anspielung auf die Stärke und Weiblichkeit der Porträtierten.

• Künstler: Michele di Ridolfo del Ghirlandaio
  
• Jahr: 1560–70

Als Gegenstück zum Zenobia-Porträt trägt diese idealisierte Frau kunstvoll geflochtene Zöpfe und Schmuck – was den dekorativen Charakter des florentinischen Manierismus unterstreicht.

Profi-Tipp: Vergleichen Sie dieses Porträt mit dem ersten – das eine ist kühn und kraftvoll, das andere eher filigran und verziert.

• Künstler: Pontormo (nach einer Vorzeichnung von Michelangelo)
  
• Jahr: ca. 1533

Diese Tafel, die auf einer Zeichnung von Michelangelo basiert, zeigt Amor, wie er Venus umarmt – eine Renaissance-Reflexion über göttliche und sinnliche Liebe.

Profi-Tipp: Die Anordnung der Figuren symbolisiert zwei Arten der Liebe: irdische Leidenschaft und spirituelle Hingabe.

• Künstler: Daniele aus Volterra
  
• Jahr: Mitte des 16. Jahrhunderts

Diese Büste, die nach Michelangelos Tod angefertigt wurde, zeigt den Meister im hohen Alter – vom Leben gezeichnet, nachdenklich und trotzig. Volterra, ein enger Freund, schuf zu seinen Ehren mehrere Büsten.

Profi-Tipp: Diese Büste wurde von genau jenem Mann geschaffen, der Michelangelos „Jüngstes Gericht“ „zensiert“ hat. Beachten Sie, mit welcher Würde er ihn hier noch immer behandelt.

• Künstler: Michelangelo
  
• Jahr: 1501–1504
  
• Material: Carrara-Marmor
  
• Höhe: 17 Fuß (5,17 Meter)

Michelangelos David, aus einem einzigen Marmorblock gemeißelt, fängt den spannungsgeladenen Moment vor der Schlacht ein – wachsam, konzentriert und voller detailreicher Ausdruckskraft. Seine Haltung und sein Gesichtsausdruck spiegeln einen inneren Kampf und eine göttliche Bestimmung wider, nicht nur körperliche Vollkommenheit.

***Profi-Tipp: Betrachten Sie David* aus allen Blickwinkeln. Sein wandernder Blick, sein verdrehter Oberkörper und seine subtile Anspannung offenbaren umso mehr Emotionen, je länger man ihn betrachtet. Er posiert nicht – er bereitet sich vor.

• Künstler: Francesco Salviati
  
• Jahr: Mitte des 16. Jahrhunderts

Die für den Manierismus typischen leuchtenden, schillernden Farben verleihen dieser Darstellung der Heiligen Familie eine warme Atmosphäre. Salviatis Figuren sind von dynamischer Bewegung geprägt – eine eindeutige Hommage an Michelangelos skulpturale Körper.

Wissenswertes:**** Salviati half bei der Versorgung des gebrochenen Arms von David, nachdem dieser im Jahr 1527 zerschmettert worden war.

Tipp**:** Achten Sie auf schimmernde Blau- und Grüntöne – diese wurden im Rahmen einer Restaurierung im Jahr 2003 wieder zum Vorschein gebracht.

• Künstler: Santi di Tito
  
• Jahr: c.1590

Diese ergreifende Szene der Klage verbindet die Struktur der Renaissance mit der Emotionalität des Barock. Ein spanischer Ritter, Ernando Sastri, kniet neben der Jungfrau Maria und stellt so eine Verbindung zwischen diesem heiligen Moment und dem Betrachter her.

Profi-Tipp: Beachten Sie, wie die Kreuze von Golgatha die Trauerzeremonie auf subtile Weise einrahmen und Ihren Blick in den Raum lenken.

• Künstler: Bronzino (mit Alessandro Allori)
  
• Jahr: 1561

Diese von Cosimo I. für die Insel Elba in Auftrag gegebene, eindrucksvolle Komposition lenkt den Blick von der Kreuzabnahme Christi hin zu seinen trauernden Anhängern am Fuße des Kreuzes.

Eine amüsante Anekdote:**** Bronzino fügte sein Selbstporträt ein – einen bärtigen Mann, der von links in die Ferne blickt.

Top-Tipp:**** Die im Hintergrund dargestellte befestigte Stadt könnte Portoferraio darstellen und damit das Kunstwerk mit seinem vorgesehenen Aufstellungsort in Verbindung bringen.

• Künstler: Alessandro Allori
  
• Jahr: c.1572–78

Ein ruhiger, intimer Rahmen für eine göttliche Botschaft. Gabriel schwebt auf einer Wolke und reicht Maria eine weiße Lilie, während Engel von oben Blumen herabregnen lassen.

Profi-Tipp: Achten Sie auf den Nähkorb und das bestickte Kissen – bezaubernde Details aus dem häuslichen Alltag, die diesem heiligen Moment eine menschliche Note verleihen.

• Künstler: Alessandro Allori
  
• Jahr: 1593

Eine Fülle botanischer Details umgibt Marias Krönung im Himmel. Über 20 Blumenarten symbolisieren ihre Tugenden.

Wissenswertes: Dank der botanischen Gärten der Medici malte Allori viele dieser Blumen nach der Natur.

Profi-Tipp: Entdecken Sie Alloris Signatur, die am Rand der dunklen Blumenvase versteckt ist.

Bedeutende Werke:

- *Büste von Niccolò Machiavelli*<br/>
- *Porträts ausländischer Adliger*<br/>
- *Grabfiguren, die im Auftrag des europäischen Adels angefertigt wurden*

Bartolini war bekannt für seinen psychologischen Realismus und seine Fähigkeit, Emotionen, sozialen Status und Charakter durch eine sorgfältige Gestaltung der Gesichtszüge auf subtile Weise widerzuspiegeln. Seine Kundschaft – die vom russischen, polnischen und englischen Adel bis hin zur lokalen Elite reichte – gab elegante Büsten, Medaillons und idealisierte Porträts in Auftrag.

Profi-Tipp: Achten Sie auf die Frisuren und die Details der Kleidung – sie spiegeln die Modeideale des Empire-Stils und der neoklassizistischen Epoche wider und zeichnen sich durch vertikale Linien und zurückhaltende Eleganz aus.

Bedeutende Werke:

- *Büsten von Brunelleschi und Arnolfo di Cambio*<br/>
- *Von Adelsfamilien in Auftrag gegebene Kinderporträts*

Pampaloni spezialisierte sich darauf, kindliche Unschuld und idealisierte Weiblichkeit in einem sanften, lyrischen Ton wiederzugeben. Seine Skulpturen sind filigraner und emotional bewegender – insbesondere die Porträts von Kleinkindern, die voller Charme und symbolischer Details sind.

Profi-Tipp: Achten Sie auf Pampalonis charakteristische sanfte Modellierung von Wangen und Händen – er wurde für seine Fähigkeit gefeiert, selbst den unbeweglichsten Formen Lebendigkeit zu verleihen.

Die Gipsoteca bietet zugleich einen Einblick in die Bildhauertechniken des 19. Jahrhunderts:

• Die Modelle wurden zunächst aus Ton modelliert und anschließend in Gips abgegossen.
  
• An genau festgelegten Stellen eingeschlagene Nägel halfen den Künstlern dabei, die Proportionen auf den Marmor zu übertragen.
  
• Einige Abgüsse wurden patiniert, um Marmor, Bronze oder Terrakotta nachzuahmen.
  
• Ein Video in der Gipsoteca zeigt Schritt für Schritt den Prozess der Gipsabformung – lassen Sie sich das nicht entgehen, wenn Sie neugierig sind, wie Meisterwerke aus Marmor entstehen.

Profi-Tipp: Dies sind keine „bloßen Kopien“ – es handelt sich um Arbeitsentwürfe, die mit Maßangaben und Strukturproben versehen sind und die Handschrift des Bildhauers offenbaren.

• Titel: Die Krankenstation des St.-Matthäus-Krankenhauses
  
• Künstler: Jacopo Carrucci (Pontormo)
  
• Jahr: c.1514
  
• Medium: Fresko mit „Terra Verde“-Pigment

An der linken Wand, eingebettet zwischen Gipsmodellen, befindet sich ein kleines, aber historisch bedeutendes Fresko – Pontormos erstes bekanntes Werk. Durch die Verwendung von grünen Erdpigmenten gewährt das Fresko einen „fotografischen“ Einblick in die frühere Nutzung des Saals als Station einer Frauenklinik.

Worauf Sie achten sollten: Schlichte Holzbetten, in Reihen angeordnet; Nonnen, die sich um die Kranken kümmern; Werke der Nächstenliebe, Gebete und Fußwaschungen; Ein seltener Einblick in den Alltag im Florenz des frühen 16. Jahrhunderts.

Highlight: Pacino di Bonaguidas „Baum des Lebens“

• Datum: c. 1305–10
  
• Medium: Tempera auf Holztafel
  
• Herkunft: Kloster der Klarissen, Florenz

Dieses monumentale, baumförmige Kruzifix symbolisiert den Baum des Lebens; seine Äste sind mit Medaillons geschmückt, die das Leben, die Passion und die Auferstehung Christi darstellen. Im Folgenden bilden Szenen aus der Genesis und bedeutende Heilige (Mose, der heilige Franziskus, die heilige Klara und der heilige Johannes) eine vielschichtige theologische Erzählung. Das oben abgebildete Bild, auf dem der Pelikan seine Jungen mit Blut füttert, ist ein Symbol für das Opfer Christi.

Highlight: Das Kruzifix von Bernardo Daddi

• Datum: c. 1345
  
• Herkunft: Kirche San Donato in Polverosa
  
• Stil: Orientiert sich an Giottos ausdrucksstarkem „Christus Patiens“-Format

Christus hängt leblos am Kreuz, flankiert von der Jungfrau Maria und dem Heiligen Johannes, während an den Armenden Szenen aus seiner Passion dargestellt sind. Die Inschrift „DICEST IESUS NAZARENUS REX IUDAEORUM“ (Jesus von Nazareth, König der Juden) bestätigt den Bericht des Evangeliums. Dieses Werk veranschaulicht Giottos Vermächtnis hinsichtlich der Verbindung von Emotion und Struktur.

• Betreff: Szenen aus dem Leben Christi und des Heiligen Franziskus
  
• Format: Kleeblattförmige Platten
  
• Herkunft: Basilika Santa Croce, Florenz

Diese für Chorgestühle geschaffenen, kleinformatigen Tafeln zeugen von Gaddis erzählerischer Klarheit und sind ein hervorragendes Beispiel für die fromme Erzählkunst des 14. Jahrhunderts.

Tipp von Experten: Viele Werke in diesem Raum waren tragbare Andachtsgegenstände, die von Pilgern mitgeführt wurden. Versuchen Sie sich vorzustellen, wie sie in privaten Kapellen oder auf langen Reisen wirken – Kunst als geistiger Begleiter.

Highlight: Andrea di Cione (Orcagna), Pfingsttriptychon

• Datum: 1365
  
• Provision: Kirche der Heiligen … Apostoli, Florenz
  
• Ikonografie: Die Herabkunft des Heiligen Geistes auf Maria und die Apostel

Die zentrale Darstellung der Jungfrau Maria ist monumental und wird von fliegenden Engeln und knienden Aposteln flankiert, von denen jeder auf seine Weise auf das Geschehen reagiert. Ein Apostel blickt sogar direkt nach außen und lädt den Betrachter ein, in die heilige Erzählung einzutauchen.

Tipp von Experten: Ursprünglich mit gotischen Zacken verziert, strahlte dieses Triptychon in seiner Kirche eine imposante vertikale Präsenz aus – beachten Sie, wie seine Symmetrie Ihren Blick auch ohne diese Zacken nach oben lenkt.

• Datum: 1365
  
• Provision: Kloster St. Maria von den Engeln

Ein mächtiger, auf dem Thron sitzender Gottvater hält den gekreuzigten Christus in seinen Armen, während der Heilige Geist in Gestalt einer Taube zwischen ihnen schwebt – eine seltene und eindrucksvolle Darstellung der Dreifaltigkeit. Die Darstellungen auf der Predella zeigen Episoden aus dem Leben des Heiligen Romuald, des Gründers des Kamaldulenserordens, während die goldenen Zierelemente Engel mit Weihrauchfässern und das Agnus Dei (Lamm Gottes) umrahmen.

• Wiederhergestellt: 2011
  
• Zu sehen: Seit 2014

Dieses strahlende, kürzlich restaurierte Altarbild zeigt die Krönung der Jungfrau Maria im Himmel, umgeben von Heiligen und Engeln, die ihr huldigen. Jacopos kraftvolle Linienführung, seine leuchtende Farbpalette und der Einsatz von Gold schaffen eine himmlische Harmonie.

• Hersteller: Antonio Stradivari
  
• Datum: 1690
  
• Material: Rote Fichte und Ahorn
  
• Dekoration: Eingelegtes Medici-Wappen (Perlmutt, Ebenholz, Elfenbein)

Dies ist das einzige erhaltene Instrument des berühmten Medici-Quintetts, das sich noch in makellosem Zustand befindet. Die im Auftrag von Großfürst Ferdinando angefertigte Bratsche zeugt sowohl von Stradivaris unvergleichlicher Kunstfertigkeit als auch vom extravaganten musikalischen Geschmack des Hofes.

• Erfinder: Bartolomeo Cristofori
  
• Zeitraum: Ende des 17. Jahrhunderts – Anfang des 18. Jahrhunderts
  
• Gönner: Großfürst Ferdinando de’ Medici

Cristofori, ein brillanter Instrumentenbauer aus Padua, wurde 1688 von den Medici engagiert und erfand in der Folge das „Pianoforte“ – die erste Version des modernen Klaviers. Das Museum beherbergt frühe Exemplare seiner Spinette und Cembali sowie Unterlagen zu seinem bahnbrechenden Werk.

🎧 Besucher können den Klang des ersten Klaviers mithilfe interaktiver Displays mit dem früherer Instrumente wie dem Cembalo vergleichen.

Schon gewusst? Im Gegensatz zum Cembalo ließ sich bei Cristoforis Klavier die Lautstärke je nach Anschlag variieren – ein revolutionärer Fortschritt in der Musikgeschichte.

Der Hof der Medici sammelte nicht nur Instrumente – er bildete eine musikalische Elite. Dieser Abschnitt präsentiert eine beeindruckende Porträtserie von Anton Domenico Gabbiani (1685–1690), der echte Hofmusiker mit erstaunlicher Genauigkeit darstellt.

• Halten Sie Ausschau nach den berühmten Komponisten Pietro Salvetti und Francesco Veracini, die an ihren Instrumenten und ihrer Kleidung zu erkennen sind.
  
• Ebenfalls zu sehen: Stillleben aus dem 17. Jahrhundert, die elegante musikalische Szenen darstellen – mit Obst, Notenblättern und Barockinstrumenten gedeckte Tische, die den sinnlichen Reichtum des kulturellen Lebens der Medici widerspiegeln.

• Künstler: Werkstatt von Jacopo di Cione
  
• Jahr: Ende des 14. Jahrhunderts

Eine tragische und zugleich theatralische Nacherzählung von drei zentralen biblischen Begebenheiten:

1. Der Kindermord von Bethlehem (oberes Register)
   
2. Die Anbetung der Heiligen Drei Könige
   
3. Die Flucht nach Ägypten: Die Detailtreue bei Mimik, Kostümen und Handlungen sollte auch die Analphabeten ansprechen. Beachten Sie die modische Kleidung der Könige und Adligen sowie den Falkner mit verbundenen Augen – ein in adligen Jagdszenen häufig anzutreffendes Motiv.

Tipp von Experten: Achten Sie auf die kleine, kniende Figur des Schutzpatrons neben dem Heiligen Josef – sie verleiht der Szene eine persönliche Note, ein typisches Merkmal der Spätgotik.

• Künstler: Don Silvestro Gherarducci
  
• Jahr: Ende des 14. Jahrhunderts

Eine auf einem Kissen sitzende Madonna, die Humus (Erde) symbolisiert. Das Christuskind sucht Marias Brust – eine Geste voller Vertrautheit.

Profi-Tipp: Betrachten Sie die filigrane Lochverzierung an den Gewändern und dem blauen Umhang – ein Zeichen für Don Silvestros klösterliche Kunstfertigkeit als Buchmaler.

• Standort: Rechte Seite

Im Auftrag der Seidenzunft. Der heilige Johannes besiegt Habgier, Hochmut und Wollust. Achten Sie auf das Torsymbol – eine Anspielung auf den ursprünglichen Sitz der Zunft und deren geheimnisvollen Seidenhandel.

Profi-Tipp: Dies ist ein frühes Beispiel für den Einsatz von Allegorien und Zunftidentität in der öffentlichen religiösen Kunst.

• Standort: Linke Seite

Schutzpatron der Winzer, dargestellt mit einem symbolischen Kelch auf der Predella. Seine hohe, schmale Form passte gut zu den Säulen der Kirche Orsanmichele.

Profi-Tipp: Beachten Sie, wie eng die gotische Architektur und die Malerei miteinander verbunden waren – die Bilderrahmen ahmten Gebäude nach!

• Künstler: Giovanni del Biondo
  
• Jahr: Ende des 14. Jahrhunderts

Eines der prächtigsten Altarbilder. Die Darstellung erstreckt sich über mehrere Ebenen, wobei Heilige die Jungfrau flankieren und eine Schar von Engeln zu sehen ist. Die Heiligen sind beschriftet – was wichtig war, als die meisten Betrachter noch Analphabeten waren.

Profi-Tipp: Achten Sie auf symbolische Attribute – den roten Umhang der Maria Magdalena, das Rad der Heiligen Katharina usw.

• Künstler: Lorenzo Monaco
  
• Jahr: Anfang des 15. Jahrhunderts

Dieses elegante und ätherische gotische Triptychon erstrahlt in Gold und leuchtenden Farben. Der Erzengel Gabriel schwebt herein; die Jungfrau schreckt voller göttlicher Ehrfurcht zurück.

Profi-Tipp: Beachten Sie das Wildschwein zu Füßen des Heiligen Antonius – eine Anspielung auf die Heiltraditionen der Antoniter-Mönche.

• Künstler: Spinello Aretino, Niccolò di Pietro Gerini, Lorenzo di Niccolò di Martino
  
• Jahr: 1401

Ein Meisterwerk, das in Gemeinschaftsarbeit entstanden ist und die gekrönte Jungfrau im Himmel zeigt. Es war für ein Frauenkloster bestimmt und symbolisiert den himmlischen Lohn für Frömmigkeit.

Profi-Tipp: Lassen Sie sich die Engel nicht entgehen, die mittelalterliche Musikinstrumente wie Dudelsäcke und Trommeln spielen.

• Künstler: Jacopo Cambi
  
• Jahr: 1336

Ein prächtiges, mit Gold, Silber und Seide besticktes Tuch, das ursprünglich den Altar der Santa Maria Novella bedeckte.

Profi-Tipp: Hierbei handelt es sich um ein seltenes, erhaltenes liturgisches Textil, das die weltberühmte Sticktradition von Florenz verdeutlicht.